Alabanza: Joe Good (1937-2025) – Los Angeles Times

El artista, un trasplante de Oklahoma, desempeñó un papel útil en el establecimiento de una escena artística en la década de 1960 de la década de 1960

Las imágenes visuales y los objetos de materiales están equipados con imágenes de objetos, que flotan sobre la cabeza en el cielo desde el fondo de la botella de leche Stoop hasta Azure.

¿Es una imagen o un objeto una pintura? O invierte el orden de una escultura: ¿es un objeto o imagen?

Ambos, la industria de Joe Good respondió como principios de la década de 1960, ciertamente algunos elementos pero puramente visibles. Y además de algo más, algo curioso y atractivo que nunca antes habías visto. En su trabajo más poderoso, el artista con sede en Los Ángeles, que murió el 22 de marzo, un día antes de que su 88 años muriera mientras dormía.^{Sin embargo} Cumpleaños: la imagen y el objeto contienen equipos elegantes. El resultado es una idea inusual de presencia clara.

En 6613, el Instituto de Arte Chouonard izquierdo (ahora callos) del trasplante de Oklahoma, donde estudió con el influyente artista de luz y espacial Robert Irwin, lanzó una serie de camuflaje de imágenes de 4 botellas de leche en el bien. La mayoría son aproximadamente cuadrados, de cinco a seis pies de pie de lienzo son colores aparentemente monocromáticos.

Alta Dena es listones con una botella de pintura de vidrio de lácteos, ya sea en combinación o en el color opuesto, de pie en el piso delantero frente a la pintura, que cuelga a unas tres pulgadas del piso, por supuesto, una altura inusual. Este bajo instalado, la escala de pintura está mirando el cuerpo de un adulto promedio. La pintura plana se convierte en una “pared”, la botella de leche de slathard se convierte en “una pintura”.

A veces, en el buen lienzo incluye un dibujo de contorno de la botella en la parte posterior del lienzo, sugiere que se proyecta el otro. (Botella o pintura es la proyección de una pregunta)) Mire de cerca y, a menudo, el lienzo monocromático se cepilla suavemente con múltiples capas de color. El resultado mejora el condram de imagen/objeto eterial.

La serie de bienes Goodout se originó en dos fuentes principales. A era una vida consciente, casi monocromática de la cerámica, el artista italiano Georgio MorandiLo que causó la rara exposición de la Galería Americana del Pintor en la ferracada de La Senega Blavdie en 6613, la otra fue la abstracción como el frente de la imagen abantil y fuerte en la imagen, entonces hubo una fuerte pelea en el mundo del arte estadounidense. ¿Cuál fue más aventurero? Buena responsabilidad del pintor: todavía en la vida que contiene abstracto y metáfora en el equilibrio TAT, ilumina ese argumento, al tiempo que agrega la profundidad del objeto/imagen.

En tercer lugar, la baja fuente observable era más personal y personal: al nacimiento del primer hijo de Good, el lechero llegó a la puerta al llevar una botella de Alta fresca casi todos los días. El artista lanzó la serie. Art Spar provenía de la experiencia de la gente común no solo del mundo de la industria especial. Un buen trabajo era llevarlos a todos a un juego armonioso. Un trabajo, una botella de naranja monocromática profunda de profundidad se está elevando detrás, atrajo la sexta portada de la nueva revista Artforum.

En la década de 1960, el trabajo de Good fue etiquetado como un arte pop en incomodidad. Es una variedad de amigos de la infancia de Oklahoma City, Ed Rusha, así como en artistas del sur de California, como John Baldesari, Billy Al Bedton, Wallace Burman y Wet Celmins, con el que estableció la escena artística de 1960. Sin embargo, esos artistas llegaron a la imagen representativa de varias maneras. A medida que su carrera se desarrolló durante las próximas cinco décadas, las características de la industria comenzaron a exponer como la característica de arte del arte.

Joe Good, “Sin título”, Circle 1968, madera y alfombra

(Museo de Industria Contemporánea)

El bien casi siempre funcionó en una serie, por ejemplo, por ejemplo, las escaleras crean múltiples esculturas cuyos pasos de re -construcción y la rígida lengua doméstica en el arte de la industria mínima ponen una lengua doméstica en las mejillas. (La alfombra suavizó los bordes fríos). Estalló con piedras de escopeta colgadas en una línea, colgando entre sí o expresando la capa de color en la galería cuando la hoja se colocó entre sí como otra capa pintada. Fluyó a través de las nubes en el azul de los azules, luego las desgarró y reunió el cielo como le quiso. Puso el líquido delgado y vertió en la parte superior de la pintura, lo que provocó que las reacciones químicas quemaran los agujeros de la superficie: “pintura de ozono”, los llamó.

Fue un tema regular de destrucción creativa. (Incluso en las clases de arte de la escuela secundaria, las esculturas estaban encantadas de prender el fuego). Un componente de la violencia para el tipo de guerra, los disturbios de los derechos civiles y la degradación ambiental épica era adecuada, pero recuperó el ruido a través de la buena industria.

Un resultado fue un amplio récord de exposición, internacionalmente más de 120 espectáculos individuales en museos y galerías, además de representar alrededor de 30 colecciones de museos, incluido el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el Museo de Arte Americano de Nueva York y el Museo de San Francisco. El bien es su esposa Hiromyi y su sobrino Yuki Katayama. No se planeó ningún funeral para el artista, pero según un portavoz de la Galería Michael Cohan, que representa al artista, se está discutiendo una celebración de monumento para la próxima fecha.